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Boiling Point, the Bear y otros platos…

Las películas de cocinas, resaturantes y sus participantes siempre han sido interesantes, a todos nos gusta la buena comida, ver los reality de cocineros, Gordom Ramsay y no por nada las librerías están llenas de libros de cocineros locales e internacionales. Como en todo, algunas cosas más destacables que otras, sin embargo, y principalmente por culpa de que mi madre está entusiasmada con “El Discípulo del Chef”, me motivé a ver varias películas de este entretenido mundillo.

La que primero me enganchó fue “The Bear”. Una serie del 2022 que había leído muchas buenas críticas hace rato y que por fin llegó a Star+. Ambientada en Chicago, nos sumerge en la historia de Carmy “The Bear” Berzatto, un Chef que tras la trágica muerte de su hermano, debe volver de un prestigioso y ultra fancy restaurant de New York para hacerse cargo del pequeño local de Sandwichs familiar.

En 8 capítulos de 20 minutos aproximadamente conocemos lo que es la caída, desespero y redención del local gracias a Carmy y su equipo, todo en un tono muy crudo, intenso y de rápido ritmo. Entregando un tópico común del mundo culinario. La intensa fragilidad personal y profesional que conlleva el mantener cual malabarista un negocio creativo, próspero y motivante. Hiper recomendada, aparte, me dieron ganas de conocer Chicago.

Continuando la travesía, en mi trabajo me recomendaron unas películas de cocinas, platos y demases. “Chef” (2014) de Jon Favreau, y “Burnt” (2015) de John Wells.

Chef es una película de protagonizada por el mismísimo Favreau y se enfoca en un aplaudido Chef caído en desgracia por la monotonía, falta de motivación y el encierro de tener que servir “lo que funciona” día tras días, lo que, como buena película, provoca problemas profesionales, personales y familiares. El vuelco se logra cuando decide levantarse y seguir sus sueños, embarcándose en un viaje por USA para traer desde Nuevo México un carro de sandwichs a Los Angeles. Lo que logra encender su motivación, su relación familiar y mucho más. Entretenida, totalmente esperable, pero en un buen sentido.

Por otro lado, Burnt, protagoniza Bradley Cooper, quién es un talentoso Chef que ha perdido todo por culpa de sus excesos de Rockstar. Y quién, después de reinventarse, desintoxicarse y reencontrar su pasión por la innovación. Decide competir con su archirival culinario (Matthew Rhys) en un renovado proyecto, y el sueño imposible de lograr una “Tercera estrella Michelín”. Si la película anterior era predecible, esta es mucho más, y realmente no es tan buena tampooco, sin embargo, tampoco es una basura.

Finalmente, y como cierre de este ciclo culinario, un soleado Domingo por la tarde logré ir al Cine El Biógrafo a ver “Boiling Point” (2021), que creativamente acá la tradujeron como “El Chef”, que básicamente era el objetivo de toda esta travesía y la que le tenía puesto más fichas.

Dirigida por Philip Barantini y protagonizada por Stephen Graham, Boiling Point es una película presentada en tiempo real centrada en un restaurant británico en una de las noches más intensas del año. Aquí no hay héroes, talentos por sobre la norma ni búsqueda de sueños. Solo realidad, caos, fragilidad y una intensidad muy potente expresada por múltiples personajes y sus conflictos con sus compañeros y comensales. Desde la visita inesperada de un crítico, un cliente alérgico, una mesa con pésima actitud con el staff, los resultados de una mala preparación de materiales, trabajadores poco motivados, atrasados, problemas de falta de carácter, negociaciones de sueldo, promesas eternas y mucho mucho más… sin duda, una de las películas más intensas que he visto este año, y paradójicamente una de las más graciosas por lo mismo. 90 minutos de “apetitosa diversión”.

Fragilidad, intensidad y la constante lucha del método vs la creatividad son puntos en común y muy interesantes de todo este género que espero seguir explorando tanto en el séptimo arte como esporádicas visitas preseciales a locales varios en pro de hacerme una idea cada vez más acabada, una sin duda noble tarea.

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Cyberpunk Edgerunners

Cyberpunk Edgerunners es un anime spin-off del juego “Cyberpunk 2077” desarrollado por el estudio polaco CD Projekt RED. Proyecto que a su vez está basado en el juego de rol “Cyberpunk”, inspirado e influenciado en gran parte por la trilogía literaria Neuromancer de William Gibson y en otra por la gran cantidad de obras que nos sumergen en un futuro hiperconectado, tecnológicamente amoral y en donde la humanidad se mueve entre ser semidioses en base a implantes, mundos virtuales y grandes luchas de corporaciones por el poder de mantener a una sociedad hiper-dependiente de sus acciones.

Uno de los grandes aciertos de esta serie de 10 episodios es el confiar su desarrollo a Trigger, un estudio de animación japonés de gran renombre y con un estilo visual muy llamativo. Es de los pocos estudios que trato de seguirle el ritmo, sin ser fanático del anime. Después de disfrutar de Tengen Toppa Gurren Lagann y Kill La Kill me convencí de qué hay que tenerlos en la mira sea lo que sea que produzcan.

El resultado en Edgerunners es alucinante, animaciones muy dinámicas, coloridas, hiper-violentas son, a mi parecer, el punto más alto del anime. Night City es presentada llena de una atractiva polarización de brillos y crudeza. Decadencia y opulencia que se mueve alrededor de la historia con una intensidad fantástica. Y a mi parecer, logra llevar el universo presentado por el videojuego a un mejor entendimiento y valoración.

En términos narrativos, la trama se centra en David Martínez quién después de unos sucesos dramáticos se hace parte de una pandilla criminal que buscan sobrevivir y emerger de lo más bajo de Night City. A pesar de presentar una muy entretenida y diversas escenas de trepidante acción, la narrativa es bastante genérica, y cae en una historia basada en la estructura de Hero’s Journey, lo que aunque es agradable, lamentablemente no me sorprendió como para aplaudirlo.

Como puntos interesantes, el soundtrack aunque acotado, complementa súper bien con el anime, el diseño de los personajes es muy bien logrado y logran cautivar la simpatía y por supuesto, al ser un anime para mayores de 18 años, el gore, violencia, sangre y acción es fuerte y explosivo.

Como nota interesante, en paralelo al estreno del anime, el videojuego ha recibido una actualización que integra mejoras como también elementos del anime, y ha logrado una redención impresionante después de un muy polémico y problemático lanzamiento.

Recomiendo esta animación para quienes valoran un gran espectáculo visual, fanáticos del videojuego y por supuesto, entusiastas del género cyberpunk como también la ciencia ficción en general.

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The Sandman (Netflix Series . Season 1)

The Sandman es un cómic de 1990 escrito por el hoy mega reconocido Neil Gaiman para DC Cómics. Esta obra, junto con Swamp Thing y Hellblazer a mi parecer dieron el pie inicial al sello Vertigo y cambiaron la historia de la narrativa del noveno arte por lo menos para mí.

La historia se centra en Morpheus, un Endless que es el Rey del mundo de los Sueños, y quién junto con sus hermanos Death, Destiny, Despair, Delirium, Desire y Destruction supervisan, juegan y administran desde el principio de los tiempos el universo.

El gran acierto a mi parecer de The Sandman, como gran parte de la obra de Neil Gaiman, es una muy inteligente forma de mezclar un amplio abanico de personajes de ficción de nuestra cultura con intensas y sensibles situaciones humanas. No es extraño ver pasear por The Sandman a Ángeles, Lucifer, Anubis, Cain, Thor, Shakespeare, Faunos y más de una forma que hace sentido y da un resultado fascinante.

La adaptación a una Serie era algo que ya los fanáticos hace años teníamos por descontado, principalmente por lo ambiciosa de la producción. Múltiples mundos, una gigantesca cantidad de personajes, muchas historias cortas que recorren demasiados lugares históricos y de fantasía…. No estaba fácil. Pero Netflix, hace un par de años anunció el proyecto y para mejor, que el mismo Neil Gaiman iba a estar muy comprometido con el mismo.

Todo lo visto se veía realmente bien, aunque como es una señal de los tiempos, múltiples personajes fueron “ajustados” para entregar una mayor diversidad en el elenco. Personajes como Lucien, Death, John Constantine y Lucifer por mencionar algunos, fueron cambiados de raza o sexo. Lo que para los puristas puede ser molesto, en lo personal, me molesta cuando estos ajustes son forzados por el mero hecho de cumplir una cuota, pero en este caso, a pesar de tener mucho cariño por los personajes originales, debo comentar que después de ver la serie desplegada, siento estos ajustes no perjudican de gran manera el resultado final, aunque claramente tampoco lo mejoran.

El día de su estreno, me sumergí en un universo que ya había visitado varias veces en cómic y otro par más en la versión de Audio Drama – súper recomendable – que está desarrollando Audible. Pero ver en “Pantalla” los detalles del cómic, apreciar que se hizo un esfuerzo por traspasar de una manera muy fiel los sucesos. Y que el nivel de producción es realmente bueno, quedé impresionado. Por otro lado, la transmisión del tono del cómic, los personajes y el estilo visual es casi literal, no recuerdo nada que me haya hecho ruido de forma negativa, y en una serie de fantasía adaptada, eso es bien difícil.

La primera temporada cubre los primeros dos arcos del cómic. “The Sleep of the Just”, que cubre el rapto y cautiverio por 70 años de Dream. Como también “The Doll’s House”, una saga en donde un vórtice del sueño provoca destruir los límites entre el mundo onírico y el real. Además, tanto en los cómics como de excelente forma en la serie, hay pequeños interludios o paréntesis que a mi gusto, son las mejores expresiones de la obra de Neil Gaiman. Dos de esas historias están mezcladas en el mejor capítulo de la temporada : “The Sound of Her Wings”. Y otros dos fueron sumados como un capítulo extra que se sumó dos semanas posterior a su estreno llamado “A Dream of a Thousand Cats / Calliope”, con el primer bloque presentado como una muy bien acabada animación.

The Sandman no es una obra en donde exista un viaje vertiginoso o grandes y sorpresivos vuelcos. es una serie en donde el universo pasa por encima de los personajes. En donde extrañamente son las inquietudes y problemas humanos los que marcan las vidas o no vidas de los seres sobrenaturales que nos rodean. Y es por ello que creo que no podría recomendarla a todo el mundo, pero si a quienes les interese sumergirse en un viaje fascinante, único y conocer de una nueva forma uno de los íconos de la cultura pop de los últimos años.

Espero que el proyecto sea renovado, y que podamos disfrutar de la saga que cubre un poco más de 70 capítulos. El tiempo, el éxito monetario y la guerra de los servicios de Streaming tendrán la última palabra.

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Paper Girls

Paper Girls es una serie basada en un cómic de Brian K. Vaughan, a quién conocí por Saga – a mi parecer uno de los mejores cómics de los últimos años – que, como estoy re malo para leer cómics, no tuve el gusto de tener mucha más información que lo que se veía por encima. Una historia ambientada a finales de los 80’s protagonizada por cuatro niñas de 12 años, con elementos paranormales y un estilo visual bien marcado.

Al pensar en 80’s y “niños” hoy por hoy es inevitable asociarlo a Stranger Things, sin embargo, lo que propone esta aventura es bastante diferente. Involucra viajes en el tiempo, ciencia ficción, una iniciativa media anarquista pero por sobretodo, una muy entretenida y emotiva relación de amistad confrontada con la incertidumbre de la adolescencia frente al futuro.

Y es la dinámica del paso del tiempo y el conocer el futuro de Erin, Tiff, Mac y KJ la que nos entrega los momentos más memorables de por lo menos la primera temporada. El enfrentamiento generacional y aceptación de qué fue de sus vidas es un tema que en cada una de las protagonistas es interesante, creativo y con buenas dosis de emotividad.

Si a todo esto le sumamos además un estilo de ciencia ficción “ochentero”, una persecución a través del tiempo en donde se involucra una iniciativa rebelde versus una corporación que proteger y “corregir” el futuro a toda costa. Obtenemos un resultado sencillo, pero bien entretenido, que fluye capítulo a capítulo con vuelcos inesperados, suspenso y elementos de una buena aventura.

Como dato muy rescatable, el soundtrack es realmente de mi gusto. Beach House, Danzig, New Order, Alice Cooper, Red Hot Chili Peppers, Bon Jovi, LCD Soundsystem, T.Rex, Debbie Gibson, Bananarama, Echo and the Bunnymen, Pavement… uff… sorpresa tras sorpresa positiva por ese lado.

La primera temporada, aunque cierra un arco, nos deja listos para el siguiente desafío para el grupo. Así que ahora tengo la opción de esperar pacientemente la Segunda Temporada en Prime Video o sumergirme en los 31 capítulos del cómic, que ya está terminado, posiblemente termine haciendo ambas.

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Dopesick

Esta miniserie de ocho capítulos está basada en una investigación y reportaje de Beth Macy para el New York Times, quién también participó en el guión de esta serie.

Dopesick nos sumerge en lo más terrible de la Crisis de los Opiácidos que vive el mundo. Contada desde diversos puntos de vista, nos presenta cómo la medicina conocida como OxyContin se desarrolló, ingresó fraudulentamente al mercado, se manipularon múltiples pruebas con la FDA y finalmente destrozó múltiples vidas debido a los efectos altísimos de dependencia y otros efectos nocivos, quienes en muchos casos pasaron de ser personas con necesidad de supresores de dolor a fervientes adictos.

Los capítulos están presentados desde múltiples puntos de vista. Un doctor rural (Michael Keaton) comienza a hacer pruebas de Oxy con su comunidad después de una importante presión de un visitador médico de Purdue, quién por su parte tiene incentivos y procesos de inducción por decir lo menos, cuestionables. Esto afecta directamente la vida de una joven minera que al sufrir un accidente de trabajo, prueba el tratamiento, abriendo a la comunidad de un pequeño pueblo con inesperadas consecuencias, llamando la atención años después, de un grupo de trabajadores de la DEA, quienes se sumergen a buscar los responsables del flagelo ya descontrolado.

El cambio entre diversas realidades, conectadas por la terrible propagación de la droga resulta frustrante de ver. En un mar de trucos, artimañas, engaños y falta de moral el éxito alza y explosión del Oxy en la sociedad es impresionante, sobretodo pensando que aún no ha sido controlado y sus consecuencias aún no se han logrado dimensionar por completo.

Después de terminar la serie de 8 capítulos en Star Plus. Me quedó una sensación muy similar a cuando vi Chernobyl hace unos años, una frustración e impacto de cómo todo se desenvuelve en un velo de terrible irresponsabilidad, falta de criterio y mucha oscuridad. Los fármacos y dependencias en lo personal me tocan de una manera especial, tras ver por años a mi madre sufrir y depender de diversos medicamentos para el tratamiento de su rodilla, me preocupa y deja en alerta lo frágil que resulta justificar por el fin de mejorar la salud, cuestiones que empujan realidades mucho más terribles.

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The Americans

Los tiempos que corren me han forzado a estar horas y horas en relativo claustro, sumado a que me disfruto los ciclos, procesos y desafíos, decidí sumergirme en un proceso de ver series y películas de manera focalizada e intensiva. Nada de capítulos repetidos, ver cualquier cosa a medias o ver de a diez series al mismo tiempo. Sin mayor objetivo que hacer algo reconfortante además de ocupar horas sin muchos cuestionamientos. El “en qué estamos”, “para dónde vamos”, “qué somos” hoy no muy claros, pueden descansar algunas horas al día.

En este foco, a pesar que ya había visto algunos capítulos, comencé desde el inicio a disfrutar The Americans de Joseph Weisberg. Una serie de televisión de FX Networks ambientada en un Washington de los 80’s en plena Guerra Fría. La aventura se centra en Philip y Elizabeth Jennings, agentes infiltrados de la KGB en suelo americano, con la misión de hacer todo lo necesario para ayudar al régimen comunista soviético.

The Americans . Season 1 Teasers + Trailer

Espionaje, asesinatos, secuestros no son extraños en el día a día del matrimonio que además, para mantener su mascarada, se muestran en sociedad como un feliz matrimonio. Dueños de una agencia de viajes, aparentan que su mayor preocupación es educar a sus dos hijos, Paige y Henry, quienes ya adolescentes están descubriendo y disfrutando el “Sueño Americano” en total ignorancia de la verdadera actividad de sus padres.

Además del complicado malabarismo de una peligrosa doble vida, al comenzar esta aventura reciben a un nuevo vecino en su barrio. El amistoso y cordial Stan Beeman, quien da la fantástica casualidad de ser Agente del departamento de contra espionaje del FBI, nada bueno puede salir de ahí. Sobretodo cuando, junto con su esposa e hijo, comienzan a cultivar una fructífera amistad con los Jennings.

La serie incluye por supuesto mucha acción, situaciones límite y violentas misiones. Llama la atención que las cosas rara vez salen como se han planificado tanto para los espías, como para las oficinas del FBI y la KGB que reciben bastante foco en el transcurso de las temporadas. Lejos de la perfección de James Bond, las misiones están llenas de accidentes, traiciones e improvisaciones que dejan al borde de la exposición a los protagonistas y la estabilidad política del mundo.

Un detalle fantástico es el Soundtrack de la serie, sin caer en los típicos y ridículos temas de los ochentas, logra sumergirnos en la época y el ánimo de esos años más sencillos. Logrando en algunos momentos memorables escenas. “Tusk” de Fleetwood Mac, “In the Air Tonight” de Phil Collins, “Siamese Twins” de The Cure, “Games Without Frontiers” de Peter Gabriel, “Only You” de Yaz, “Under Pressure” de Queen + Bowie, “End of the Line” de Roxy Music además de un tema original creado para la serie de Pete Townshend llamado “It Must be Done” son algunos de los pasajes musicales que sorprenden y emocionan.

Finalmente, lo que más disfruté es observar las dudas, angustias y responsabilidades que significan criar una familia en Estados Unidos para Matthew y Elizabeth. Una tierra que no es la propia y con estilo de vida y convicciones contrarias al comunismo Soviético logran una contraposición súper interesante. Por que al final de todo, el querer lo mejor para tu familia es trasciende la ideología, sobretodo a medida que sus hijos van madurando e integrándose más en el mundo. En este aspecto, los actores y escritores hacen un fantástico trabajo al desarrollar personajes que se sienten en constante duda y evolución.

Esta serie llegó muy alto de en mi “ranking personal“. Pero debo comentar además que es a mi gusto uno de los mejores desenlaces de la historia de la televisión, sorprendente y potente. Cosa para nada sencilla en el mundo donde muchos proyectos parten con premisas increíbles pero lamentablemente, su cierre es bien decepcionante.

Los 75 capítulos de The Americans se pueden ver en estos momentos en Amazon Prime Video. Una montaña rusa de emoción y adrenalina, absolutamente recomendada. Me llama mucho la atención lo poco reconocida que resultó esta serie y es mi obligación invitar a que la vean.

Puntuación: 9 de 10.

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The Queen’s Gambit

Después de semanas escuchando aplausos, decidí sumergirme en The Queen’s Gambit. Una serie limitada de Netflix, en un mundo lleno de series que jamás terminan, o grandes obras que para verlas hay que asumir las 6 o 7 temporadas, una miniserie es como un regalo, una pausa, y si es buena, mucho mejor.

Lo único que sabía era que se trataba de “una niña que juega ajedrez”, ¿qué tan mala podía ser? Millones de personas no podían estar tan equivocadas, tenía que tener “algo”. Lo bueno es que bastaron solo 7 capítulos durante un fin de semana para confirmar que esta serie tiene mucho excelente, sin embargo, siento que The Queen’s Gambit es un “Excelente producto de Netflix”, pero no mucho más que eso.

La niña que juega ajedrez se llama Beth Harmon, personaje interpretado por Anya Taylor-Joy, a quién recuerdo con mucho cariño por The VVitch, y no tanto por Split. Un acierto su casting, por que es la principal responsable que esta aventura, sumergida entre 1940 y 1960 en el mecánico y frío submundo del Ajedrez, resulte adorable. ¿Por qué? por que nos gustan los personajes fallidos y limitados. Es una niña callada, apática, obsesiva, solitaria y con un sinfín de excesos. Mirando solo eso, posiblemente pensaríamos que es una persona bien desagradable. Pero como podemos ver más allá, la apoyamos y aplaudimos su determinación durante toda la serie, muy similar a por qué me gusta tanto Sherlock Holmes, siendo que es un tipo bien apático. Además, como nota aparte, el estilo, vestuario y actitud del personaje crece a niveles de fancyness impresionantes.

La presentación en términos estéticos es impoluta y estructurada. Los ángulos rectos del tablero de Ajedrez traspasan a los entornos, el vestuario, los encuadres, la banda de sonido e incluso las personalidades, logran una ambientación ordenada, obsesiva y llena de postales. Lo complicado, quedé con la impresión que esta misma estética provoca que los momentos más terribles y caóticos de la serie jamás me inquietaran, lo que considero una real lástima.

The Queen’s Gambit es un bonito cuento que hemos escuchado de una u otra forma múltiples veces, me hizo sonreír y disfrutar lo suficiente como para querer escribir algo. En momentos en donde el mundo se ha encargado de encrudecer nuestro día a día, Bienvenido sean las historias bellas, simples y concretas, tampoco hay que pedir que todo lo que uno vea le cambie la vida.

Puntuación: 7 de 10.

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Sharp Objects

“Gone Girl” es una de mis películas favoritas, pero no solo por que es a mi gusto una de las mejores de David Fincher, si no por la suave y lenta narrativa basada en un libro de Gillian Flynn, el desarrollo de una historia que por momentos olvidamos que es policial, se “cocina” lento, como un buen asado a leña. Y de la misma forma que con el asado, su resultado es fantástico para los que tienen la paciencia suficiente.

Al anunciar “Sharp Objects” como una serie adaptada en una novela previa a Gone Girl, sin duda que me llamó la atención, sin embargo esperé más de un año en sumergirme en una “maratón” de la serie de 8 capítulos. Simplemente sentía que en un mundo lleno de superhéroes, intensos ritmos y fuertes polémicas como fue el 2019, no era el momento.

Ahora, con la cuarentena y más de mil horas de potencial introspección en mi depto. Llegó el momento, y confirmo que valió totalmente la pena la espera.

La serie se centra en la figura de Camile Preaker, periodista que retorna por recomendación de su editor a su pueblo de origen a investigar un inusual y violento crimen. Este retorno a la base, a su pueblo y por sobretodo a su familia es lo que va provocando un angustiante enfrentamiento con su pasado, sus excesos, sus fracasos y las expectativas. La dicotomía de haber sido la exitosa y popular joven que logró hacer una carrera en la gran ciudad, se contrapone con su depresión, vicios y un misterioso conflicto familiar.

Durante los 8 capítulos, de ritmo lento y misterioso, cuesta recordar que estamos buscando a un asesino, si no más bien el cómo hay un gran humareda pendiente de develar, no solo del conflicto actual, si no del pasado. La aversión de su madre, quién detesta su profesión, el desinterés y sumisión de su padre y la rebeldía irresponsable de su hermana menor provocan que durante la corta jornada queramos al igual que Camile, largarnos de ese lugar de mentira, miserable y maquillado sin éxito, provocando incluso de momento, ganas de dejar de ver la serie.

Ahí está la magia de Sharp Objects, te obliga a molestarte, te sumerge en caminos que no son agradables, pero tampoco son incluso intensos. Y eso adormece, molesta y podría decir incluso que castiga, involucrando al espectador en un viaje incómodo y molesto. Para llegar a un puerto intenso, sorpresivo pero no necesariamente esperanzador.

Grandes actuaciones, buenos diálogos y fantástica ambientación de un lugar, tan normal que llega a ser inquietante.

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The Leftovers

Después de haber visto Lost, y no terminarla por que lamentablemente me aburrí en la Season 3, dejé a Lindelof en la lista de showrunners que no iba a tomar tan en serio. Todo cambió el 2019 cuando se le ocurrió hacer una serie de 8 capítulos ambientada 30 años después de los sucesos de Watchmen logrando a mi parecer fue la mejor serie del año. Como es relativamente corta y realmente bien estructurada, quedé con ganas de ver qué más me he perdido de este muchacho redimido frente a mis exigentes ojos de consumidor. No me tomó mucho rato para confirmar que era “The Leftovers” el eslavón perdido que me faltaba para entender todo, no solo en relación al talento de Lindelof, si no también, de la vida…

En realidad, no tanto así como “la vida”. Pero The Leftovers, consiste una búsqueda de “la verdad” tras la desparición fulminante de un 2% de la humanidad a nivel global y los terribles efectos para los afectados, los Leftovers. Sin duda, una premisa fantástica y que de inmediato nos lleva lejos de lo totalmente racional, pero que – a diferencia de la mala ejecución que fue “The Happening” de M. Night Shyamalan – en este caso, es un viaje que nos lleva por fascinantes pasillos.

La historia se sitúa en un comienzo en un pequeño pueblo en el estado de New York y principalmente en la vida Kevin Garvey, Sheriff del pueblo, y su grupo familiar más cercano. 3 años depués de la desaparición, el dolor permanece, las explicaciones no existen y sospechosos sucesos ocurren en la vida de Kevin, incluyendo la gran responsabilidad e mantener el orden frente a un misterioso culto de personas vestidas de blanco, buenas para fumar y con un severo pacto de silencio, se dedican a complicarle la ya difícil vida de los vecinos. Y que más encima, su esposa lo dejó por ellos.

The Leftovers Trailer

La serie consiste en tres temporadas y un total de 28 episodios de 50 minutos cada uno apróximadamente, en donde seguimos a Kevin, Nora, Matt, Laurie, Jill y muchos otros que se van sumando a la historia. Lo fascinante es que sin mucha presión, la serie nos va entregando situaciones, reacciones y vistazos a cada una de la vida de los miembros familiares para convertir a una premisa sobrenatural, a una más bien filosófica y religiosa, en donde dependiendo del punto de vista, la realidad se convierte en una u otra cosa. Ese giro, hecho con cuidado y podría decir incluso cierta “maldad” nos obliga a tratar de entender a cada uno de los sobrevivientes y seguirlos en sus propios procesos.

Mi personaje favorito y el que a mi gusto logra los capítulos que considero más memorables es Matt Jamison, el sacerdote que deposita en su propia voluntad y su fé una interpretación del mundo que logró en mi caso, sin ser católico, una empatía gigantesca y deposita a Christopher Eccleston no solo como uno de los Doctors Who favoritos, si no como uno de los mis actores favoritos.

Matt Jamison, gran personaje interpretado por Christopher Eccleston.

La serie tiene acción, misterio, violencia, crudeza y un montón de cosas que “de ahí las entenderemos”, algunas se logran mejor que otras, pero es a mi parecer un suceso que vale la pena disfrutar y posterior a ello, darle una vuelta.

Por si es de interés, está basada en la novela de Tom Perrota, que también es un participante activo de la serie y mi teoría es, que es uno de los grandes responsables que Lindelof no se pierda en un espiral sin fin. Si no que se logra dar un cierre que por lo menos a mí, me dejó totalmente satisfecho. Tanto como para escribir un artículo al respecto acá.

El primer capítulo está disponible para ver en Youtube.